GO CRIMSON! YALE SUCKS!!

SCRATCH A YALE MAN WITH BOTH HANDS AND YOU'LL BE LUCK TO FIND A COAST-GUARD. USUALLY YOU FIND NOTHING AT ALL!

BRIGITTE RIESEBRODT : METAMORPHOSE

jeffery mcnary

CHICAGO ART REVIEW . NET

GALERIE DE ROY BOYD Rue de 739 puits de N. 30 octobre-5 janvier L'exposition courante à la galerie de Roy Boyd, Brigitte Riesebrodt métamorphose, tient le récit, la perception, et les traces de la foi. Ici l'artiste répand la peinture, littéralement et figuratif avec ses mains sur la toile, et distinctif sur les barres cirées du chêne incurvé et superficiel par les agents des barils une fois remplis du vin italien qu'elle a choisi d'employer. Il n'y a aucun aspect aléatoire dans son utilisation de couleur, beaucoup mettent à la terre des nuances des verts et du cuivre. Elle utilise une fluidité des médias. L'artiste a dépensé presque une peinture de décennie en Toscane, et a utilisé les fresques tôt de cette région et autour à d'Arezzo, en particulier ceux de de Giavanni et Pieve, les deux artistes de la Renaissance de XVème siècle de la région. Parfois les contradictions apparaissent, et le travail peut sembler aigu. Après tout, les fresques commissionnés du mid-1400 ont été daignés pour refléter les triomphes du christianisme. Les travaux de Mme Risesebrodt's sont des résumés, non représentatifs, avec les deux raccordements et interprétations exigeant une large portée. Dans la comparaison, ils sont près de bruit. Elle, « dîner de Leonardo le dernier », le pétrole et la cire sur le bois, sont apparus dans l'institut d'art de l'exposition récente de Chicago, « une caisse pour le vin », mais n'ont pas été tenus en tant que constante. La « rue d'ATF Angelico John », pétrole et cire sur le bois présente une autre série de barres de baril, encore en terre attrayante modifie la tonalité. L'artiste tient une appréciation pour le travail de Twombly et de celui de l'expressioniste danois, par Kirkeby, et exprime la facilité avec laquelle la genèse de son travail dévoile pour elle « Les seuls travaux que j'ai luttés avec sont les collages », les parts d'artiste. Ces travaux, sur la toile, prend le téléspectateur en variant les couleurs pastel, avec d'autres nuances piaulant à travers. Parfois le téléspectateur se demande où l'exposition va, autre que son mouvement vertical. « Ce, » des parts l'artiste, « est parce que la majeure partie de mes travaux précédents a été horizontale » Le travail de Riesebrodt saute avec élégance elle dans une arène des peintres techniquement habiles, et les notices de visionneuse qu'elle est clairement au-dessus de cette barre dès l'abord. Mais il y a peu d'autre pour expliquer, seulement pour comprendre et espérer seulement plus dans une exécution différente.

SEMPER FIDELIS

On November 10, 1775, the Second Continental Congress resolved to raise two battalions of "American Marines." Congress commissioned 31-year-old Samuel Nicholas, a well-known Philadelphian, as captain of the fledgling force of Continental Marines. Nicholas raised two battalions of Marines and began the long history of g...reen amphibious monsters, made of blood and guts, who arose from the sea, feasting on anti-Americans throughout the globe,doing or dying, rompin', stompin' United States Marines. Happy birthday! Huuraah!

LOVE, LINDA

Hitching a Star to the Stardom of Cole Porter
By DANIEL M. GOLD
Published: November 4, 2009, NYT
Forty-five years after his death, Cole Porter has never truly left town. His songs are a staple of Manhattan’s cabaret scene: one performer finished a tribute at the Algonquin last month, while two others just opened shows that prominently feature his work.
Stevie Holland in her one-woman musical show, "Love, Linda: The Life of Mrs. Cole Porter."
None are as ambitious as Stevie Holland, a jazz singer who has tried to steer into somewhat more daring precincts. Apparently drawing on sources like William McBrien’s fine Porter biography and the 2004 film “De-Lovely,” Ms. Holland and her husband, the composer Gary William Friedman, have written “Love, Linda: The Life of Mrs. Cole Porter.”
It’s billed as a one-woman play, directed by Ben West. Really, though, it’s cabaret. Ms. Holland takes the nightclub stage of the Triad Theater as Linda Lee Porter, the dazzling divorced socialite from Kentucky who wed Porter, eight years her junior, in 1919 when both were expatriates in Paris. Despite her husband’s homosexuality — Ms. Holland has Linda saying she “accepted his romantic appetite for men because I had his love” — the couple stayed married for 35 years, until Linda’s death from emphysema in 1954.
With a trio playing smoothly behind her, Ms. Holland runs through truncated versions of some of Porter’s best-known songs — “In the Still of the Night,” “I Love Paris,” “What Is This Thing Called Love?” — as well as a handful of comparative rarities. Instead of conventional patter, she ladles out bits of the Porter chronology in a Southern-tinged lilt.
There’s a lot of ground to cover, even for a more polished actress than Ms. Holland: the couple’s time in Europe; the return to the States and Porter’s first great Broadway successes; the move to Hollywood; the horse-riding accident that disabled him; Linda’s failing health. As a result, the piece, which clocks in at just about an hour, feels rushed. Not only does it make great demands of Ms. Holland, who between her singing and narration barely has time to pause, but it also shortchanges the audience, which for the most part gets only bits and pieces of songs that cry out for full, lustrous renditions.
This is a shame because Ms. Holland, tall and stately, has a graceful, silken voice that glides easily through her material. “Love for Sale,” which she sang after discussing the Porters’ growing estrangement in Hollywood, carried emotional weight, and she gave the closing number, “When a Woman’s in Love,” a real sense of triumph.
“Love, Linda: The Life of Mrs. Cole Porter” runs through Nov. 21 at the Triad Theater, 158 West 72nd Street, Manhattan; (212) 352-3101, lovelindathemusical.com.

JOHN AND SHAWN SLAVIK, COMMON LAYERS

jeffery mcnary

Chicago Art Review

There is a rich body of knowledge in the exhibition of John and Shawn Slavik currently at the Ogilvie/Pertl Gallery. The kinship and comparative approaches of these artists, “represent something or some point” in time which transcends the matter of fact. The exhibition, works of father and son, reaches through layers of wood and paint and material and returns with art, without filter. They make book, charmingly, passionately.

The exhibition, “Common Layers”, shares two disciplines, taking the viewer upstream in ways which explore the natural world and how we interpret and behave, possibly, beyond it.

“When things happen to me, I put it in my back pocket”, shares the senior, John, “And I say, ‘someday I’m gonna do something with that.’” And that he has and does, with his installations and flair and veneration of things natural. With his, ‘Indicator”, a wood carved bird, with protective lead covering its head, bares statements, ‘Sing with me’, ‘Why is there bigotry?’, ‘What goes around comes around’, ‘Pay attention’, and other comments. The sculpture is a social statement providing a stylistic luster to the artist’s manifesto. “An indicator gives a warning”, he says, “like that canary in a coal mine story. We, people”, he continues, “have this attitude that we’re the only things on the planet that feel, that think. This bird’s saying, ‘wait a minute, what about us. Since you’re the guardian of the planet, do something.’”

He works in both representative and abstract styles. “They’re both significant he says. I’m the story teller, and here’s a story,” he says pointing to, ‘Good and Evil,’ a stainless sculpture. The piece is in perfect balance when moving and connected when viewed from different perspectives. “Good and evil meet from time to time in life,” he shares.

Shawn’s work, ‘Don’t take Advice from Someone You Wouldn’t Trade Places With’, is an esoteric mixed media, skillfully employing wood and metal, color pigment and oil. “Choosing materials is most important”, he says. ‘It’s a very physical thing. I put on layers of paints, oil, pigments, they build up and I sand them down and carve into them.” The naked tree shapes are influences of the modernist architectural photographer, Julius Shuman, whom Shawn holds in high esteem. He adds that since Shuman’s death, he starts, “I’m throwing down trees”, hesitating, “I think I’ll stop….”, and trails off.

‘You Were Right About the stairs, Each One is a Setting Sun’, a mixed media on wood, steel and hydrosol, whistles, then smiles with its yellow ochre, to the viewer upon entering the show. It makes its presence known. The work, also Shawn’s, carries a host of black circles burned into the wood, further heightening the experience. “This holds a story of a conversation I had once. It was about planets and stars and galaxies and sun rises and sunsets. If we’re experiencing a sunset here, imagine how many other sunrises and sunsets there must be out there.”

Shawn mixes loose pigments with oil to arrive at his colors, and as a result they are seasonal, impacted by the temperature. “Not every thing makes it out of the workshop. Some fight back.”

The passion of the exhibition is uplifting. It’s no token affair and the relationship between the two artists is anything but common. “We’re our biggest critics”, says Shawn, “and he’s my best friend.”

The exhibition teaches and side steps strict adherence, and in the end is both stirring and stimulating. (Jeffery..McNary)

MADAM N'DIAYE, OUI?

Marie NDiaye a déclaré à la presse, en arrivant devant le restaurant Drouant où le prestigieux prix venait de lui être attribué :"Je suis très contente pour le livre et pour l'éditeur. Je suis très contente d'être une femme qui reçoit le prix Goncourt." "Une sorte de miracle s'était déjà produit avec le succès du livre", a-t-elle dit, ajoutant : "Ce prix est inattendu. C'est aussi le couronnement et la récompense de vingt-cinq ans d'écriture et de cette opiniâtreté." Ce livre "est le portrait de trois femmes fortes, chacune à sa manière. Ce qui les unit, c'est une force profonde, une croyance en qui elles sont, une façon de ne jamais douter de leur propre humanité. Ce sont des femmes tranquillement puissantes".
Marie NDiaye a dit espérer que cette récompense permette de mieux faire connaître l'histoire des femmes africaines. "L'histoire des migrants est une histoire déjà souvent relatée, mais si le sort de ces gens peut être encore mieux su et compris, j'en serai très contente."

FRÉDÉRIC BEIGBEDER A "UNE PENSÉE" POUR LE PROCUREUR DE PARIS
L'écrivain Frédéric Beigbeder, qui a obtenu le prix Renaudot, a déclaré : "Le Renaudot est la meilleure des drogues, vraiment je le conseille, c'est extrêmement agréable."
"J'ai une pensée pour le procureur de Paris, à qui je dois beaucoup. Je n'aurais pas écrit ce livre si je n'avais pas été mis en garde à vue. Je remercie également les policiers du huitième arrondissement", a ironisé l'écrivain.

Dans Un roman français (Grasset), Frédéric Beigbeder raconte son interpellation le 29 janvier 2008 en plein Paris alors qu'il consommait de la cocaïne sur le capot d'une voiture. Il avait été alors mis en garde à vue puis transféré au "dépôt". Dans la première version du livre, l'auteur s'en prenait brutalement au procureur Jean-Claude Marin, qu'il accusait d'avoir prolongé sa garde à vue.

Les éditions Grasset ont caviardé, avec le consentement de l'auteur, quatre pages de cette première mouture. Dans la version édulcorée, certaines attaques ont disparu. "Je ne peux pas écrire ici tout le bien que je pense de 'Jicé'. Jean-Claude Marin est procureur de Paris : il faut faire super gaffe quand on écrit sur lui", écrit-il.

Revenant sur cette polémique avec le haut magistrat, Frédéric Beigbeder a évoqué "un mini-scandale complètement absurde et oublié aujourd'hui. Tant mieux". "Le Renaudot efface tout, il remet j'espère mon travail là où il doit être, c'est-à-dire humble et sincère", a estimé le romancier.